Il mito dell'architettura bianca pura: come gli architetti della modernità hanno utilizzato il colore

Dato che gli architetti della modernità erano alla ricerca della purezza della forma, è logico che l'immagine di questa architettura moderna sia quasi inevitabilmente resa in bianco nell'immaginario collettivo. Liberata dalle decorazioni superflue, l'architettura moderna si associa all'uso predominante di superfici bianche per evidenziare la composizione volumetrica. Combinato con il concetto di “verità materiale” articolato per la prima volta dal critico vittoriano John Ruskin, l’architettura di colore bianco è spesso intesa come semplice, chiara e sincera.

Durante i primi anni '20 e '30, tuttavia, la teoria del colore fu ampiamente discussa e implementata da importanti architetti, tra cui Le Corbusier, Theo van Doesburg e il gruppo de Stijl, e Bruno Taut, creando così una resa più colorata di quella che oggi chiamiamo architettura modernista. . Pur allontanandosi dall'uso del colore come decorazione, una varietà di approcci ne detta l'uso, che è stato attentamente considerato fin dall'inizio del processo di progettazione.

I recenti progetti di restauro di edifici modernisti, come la Villa E-1027 di Eileen Grey o l'appartamento privato di Le Corbusier nell'Edificio Molinor a Parigi, rivelano gli schemi cromatici diffusi, ma contenuti. Questa opposizione tra architettura bianca e architettura colorata può essere osservata anche nel Weissenhofsiedlung, un complesso inaugurato nel 1927 a Stoccarda, in Germania, che riunì gli architetti più rinomati del Deutscher Werkbund per contribuire al masterplan guidato da Mies van der Rohe. Nonostante il nome, che significa “insediamento di case bianche”, solo un terzo delle unità abitative erano infatti completamente bianche.

L'approccio di Le Corbusier al colore, definito attraverso i suoi primi testi, è cauto, utilizza una tavolozza ristretta di quelli che ha qualificato come “colori architettonici”, favorendo i toni primari e della terra. La sua teoria del colore è descritta a lungo nel suo libro "PolyChromie Architecturale", tradotto come Architettura policroma, pubblicato nel 1931. Il suo processo di progettazione mirava a creare un sistema intellettuale, sistematico e razionale per l'applicazione della crominanza. Ciò è in linea con la direzione generale dell’architettura, che si stava allontanando dall’espressione figurativa e verso il mondo astratto.

Influenzati dal movimento artistico neoplastico, esemplificato da pittori come Piet Mondrian, i membri del movimento De Stijl limitarono anche la loro tavolozza di colori per includere solo colori primari sottrattivi, rosso, giallo e blu, e toni neutri di bianco, grigio e nero. Bruno Taut ha utilizzato la sua esperienza di pittore per distinguere tra le tonalità più adatte all'architettura e altre più appropriate alla pittura. Prediligeva anche i colori intensi pur essendo meno limitato nelle sue composizioni.

Oltre alla tavolozza cromatica ristretta, dalle pratiche architettoniche della modernità emerge un secondo principio non definitivo. I colori non sono usati come mera decorazione ma come uno degli elementi che contribuiscono alla composizione complessiva. Mentre le forme e i volumi sono la preoccupazione principale, i colori possono essere utilizzati per evidenziare la geometria. Nel suo libro Color for Architects, Juan Serra Lluch descrive come Le Corbusier prenda spunto dalla teoria del "rettangolo elastico" del pittore Fernand Léger, utilizzando il cromo per trasformare gli spazi e far sì che i muri "si muovano avanti o indietro". Questo approccio calcolato significa che il colore viene applicato per coprire interi elementi architettonici per definire limiti distinti. Le tinte unite sono obbligatorie per non creare gradazioni confuse che distraerebbero dal volume stesso.

L'immagine dell'iconica Villa Savoye di Le Corbusier dimostra questo principio. Il colore viene utilizzato in tutto l'edificio per creare sottili adattamenti dello spazio. Oltre alle pareti rosa, rosse e blu all'interno, il piano terra è reso in verde scuro per imitare il giardino circostante e contribuire a evidenziare il volume rettangolare del livello superiore sostenuto da sottili colonne. Sebbene rimanga una delle opere più conosciute del suo tempo, l'immagine prevista è oggetto di alcune controversie, poiché avrebbe potuto essere incluso ancora più colore. La famosa mostra del 1932 al Museum of Modern Art di New York mostrava un modello della famosa struttura con il suo solarium sul tetto reso in blu e rosa in contrasto con le pareti curve bianche che conosciamo oggi, alterando ulteriormente la percezione del suo volume.